New Design: T-Shelf

Ich weiß nicht, ob schon jemand dieses Regalsystem entdeckt hat. Es ist schon eine kleine Weile auf dem Markt. Ich finde es herrlich: das T-Shelf von J1studio aus Los Angeles.  Auf der Grundlage der “stärksten geometrischen Form, dem Dreieck,” hat Jae Won Cho, der Macher hinter J1, ein einfaches und schönes Regalsystem kreiert. Man kann das System auf jede beliebige Größe und in viele verschiedene Formen zusammenfügen. Das ganze funktioniert mittels Sperrholzdreiecken und Kabelbindern, mit denen die einzelnen Elemente zusammengebunden werden.

T-Shelf_01@j1studio.com

T-Shelf_02_@j1studio.com

T_Shelf_Detail@j1studio.com

Die Holzdreiecke werden mittels CNC gefräst und haben Löcher in den Ecken. Die modularen Einheiten sind in erster Linie praktisch. Aber gemessen an den verschiedenen Kombinationsmöglichkeiten kann sich ein skulpturales schmückendes Element an der Wand daraus entwickeln. Es bedarf keiner Werkzeuge, um es zusammenzufügen.

T8_natural_02_@j1studio.com

T8_natural_@j1studio.com

T12_natural_@j1studio.com

T8_neutral_03_@j1studio.com

Die Regalmodule des T-Shelfs gibt es in weiß und natur Holz, sie werden in einem flachen Paket direkt von LA aus gesendet. Kleinere Regaleinheiten gibt es ab 250 USD, die grenzenlos erweiter- und kombinierbar sind. http://store.j1studio.com
Auch interessant ist, daß das Regal-Projekt Eingang in die Do-it-yourself-Bibel “DIY Furniture” von Christopher Stuart gehalten hat. In der ersten Ausgabe des Buches, von dem es bereits drei Teile gibt, findet sich eine Selbstbauanleitung für das T-Shelf. 

T-Shelf_sculpture_studio_01@j1studio.com

T-Shelf_elements_2014_Design_Matters

T-Shelf_elements_02_2014_Design_Matters

Was macht die Kunst?! Andrew Myers

Andrew Myers ist ein kalifornischer Künstler, der progressive Mixed-Media-Kunst mittels Schrauben, Ölfarbe, Holzkohle, Bronze, Zement oder Fundstücken erschafft. Um seine Kunst wirklich zu erfahren muß man sie genau betrachten und vielleicht sogar berühren.

Portrait_of_John@andrewmyersart.com

Denn man mag es kaum glauben, aber obiges Portrait ist aus vielen tausend Schrauben gemacht, die auf einem mit Telefonbuchseiten beklebten Untergrund aufgeschraubt wurden. Dieses Portrait ist Andrew Myers erstes Schraubenbild mit lebensechten Farben. In früheren Werken (s. u.) versuchte er noch stärker auszuloten, wie man mittels Schrauben menschliche Haut, Haar und Kleidung darstellen kann. In diesem Bild liegt der Fokus auf mehr Tiefe, Subtilität und weiteren Farbnuancierungen. Das ist ihm sehr gut gelungen, finde ich.

bill@andrewmyersart.com

bill_Detail@andrewmyersart.com

It´s_been_a_long_day@andrewmyersart.com

It´s_been_a_long_day_Detail@andrewmyersart.com

Andrew Myers, der in Braunschweig geboren wurde, produziert angesichts ihrer Komplexität und ungewöhnlichen Materialien nur fünf bis zehn Schrauben-Bilder pro Jahr. Jedes davon ist ein Experiment in Kunst, Mathematik und kreativen Problemlösungen. Seine Arbeitsweise schwankt zwischen sorgfältiger, bewusster Planung und tranceähnlichem Fluß, in dem die Stunden nur so vergehen. Nach dem Aufschrauben der unterschiedlich langen Schrauben auf eine Holzplatte erfolgt die Bemalung der Schraubenköpfe mit Ölfarbe, was dem Werk noch mehr skulpturale Qualität hinzufügt.

We_don´t_belong_in_the_shadows@andrewmyersart.com

We_don´t_belong_in_the_shadows_Detail@andrewmyersart.com

fading_thoughts@andrewmyersart.com

fading_thoughts_Detail@andrewmyersart.com

Ich finde, daß Andrew Myers Schraubenbilder eine recht zugängliche Kunst ist, denn Schrauben sind ein so alltägliches Gut, daß jeder etwas damit anfangen kann. Die Faszination liegt eindeutig in der detailierten Darstellung und der taktilen Erfahrung.

mona_bethany@andrewmyersart.com

Obwohl Andrew bekannt ist für seine zeitintensive Schrauben-Werke, erstreckt sich seine Arbeit über mehrere Genres und Medien einschließlich der Bildhauerei, Malerei und Zeichnung. www.andrewmyersart.com

idea_roadblock_Detail@andrewmyersart.com

New Design: Hasami Mug

Diesen Becher habe ich auf pinterest entdeckt und sofort war´s um mich geschehen. Da ich meine Produktbegeisterung hinlänglich kundtue, bekam ich zwei von denen zum Geburtstag geschenkt: Hasami Mugs vom gleichnamigen japanischen Label.

hasami_mug_01@poketo.com

hasami_mug_02@poketo.com

hasami_mug_04@poketo.com

hasami_mug_03@poketo.com

hasami_mug_lid@poketo.com

Hasami Porzellan steht für klare Linien, Multifunktionalität, Material und Textur. Die Oberfläche ist ein bisschen rau, der Becher sieht aus, als wäre er aus Stahlblech. Den Hasami Mug gibt es in drei Größen. Optional kann man auch einen Deckel aus Eichenholz erwerben, der wahlweise als Untersetzer oder als Deckel zum Warmhalten des Heißgetränks verwendet werden kann. Die Becher sind stapelbar, mikrowellengeeignet und spülmaschinenfest.

hasami_mug

hasami-porcelain@bespokepost.com

Die Becher sind Teil einer ganzen Geschirrserie. Sie werden im Ort Hasami gefertigt, das ist ein Bezirk in Nagasaki, Japan, in dem schon seit 400 Jahren Porzellan hergestellt wird. Die Mugs kommen einzeln verpackt in einer schönen Pappschachtel.

Was macht die Kunst?! Lu Cong

Ich mag Portraits. Ich mag den Einblick in die Persönlichkeit der/des Abgebildeten. Es entsteht eine Interaktion, wenn man Auge in Auge einem Portrait gegenübersteht. Ich blicke Dich an, Du siehst mich an, dabei entdeckt man was. Bei den großen Formaten, die Lu Cong schafft, geht es nur um Gesichter. Die Protagonisten sehen den Betrachter unverholen an. Direkt. Ich möchte fast sagen etwas vorwurfsvoll.

Tabitha_10_2011_LU_CONG@lucong.tumblr.com

Same_Place_Last_Year_2011_LU_CONG@lucong.tumblr.com

Every_Year_Ends_2009_LU_CONG@lucong.tumblr.com

Lu Congs Gemälde erinnern an romantische Portraits des 18. Jahrhunderts. Doch sind seine dargestellten Personen eindeutig Typen von heute, teilweise in moderne Umgebungen, neuzeitliche Interieurs oder vor Hochhäuser-Skylines, gestellt. Es geht nicht nur um die Erfassung des physischen Was-ist-Zustandes der Dargestellten, es geht darum etwas unerklärbares, beunruhigendes zu zeigen. Irgendetwas ist passiert, irgendetwas wurde gesagt, und nun erntet man eben diesen Gesichtsausdruck. Ich bin ziemlich fasziniert von diesen Arbeiten.

The_Girl_Who_Finds_You_Here_2009_LU_CONG@lucong.tumblr.com

Tabitha_12_2011_LU_CONG@lucong.tumblr.com

The_Little_Saint_(Crystal#1)_LU_CONG@galleryhenoch.com

Timmy_2008_LU_CONG@lucong.tumblr.com

Lu Cong wurde 1978 in Shanghai geboren. 1989 emigrierte er in die Vereinigten Staaten. Nach seinem Abschluss an der University of Iowa mit einem Abschluss in Biologie und Kunst im Jahre 2000, entschied sich Lu, die Porträtkunst anstelle der Medizin zu verfolgen. Seine frühen Werke waren groß und pathetisch, sein sicheres Gespür und Sensibilität gegenüber seinen Probanden waren jedoch offensichtlich. Zwischen 2003 und 2007 wurde Lu durch eine Reihe von Kunstpublikationen als bemerkenswert aufstrebender Künstler bekannt. Seither gilt Lu Cong mit seinem unverwechselbaren Look als etablierter figurativer Realist.

A_Song_At_Dusk_2011_LU_CONG@lucong.tumblr.com

My_Name_Is_Tabitha_2010_LU_CONG@lucong.tumblr.com

Zum Frühlingsanfang ein Osterei

Heute ist kalendarischer Frühlingsanfang und Ostern ist auch nicht mehr weit. Aus diesem Grunde verschenke ich ab heute bei jeder Bestellung ab 30 €, die im poimia kukkia-Shop getätigt wird, einen Origami-Pin HASE.

Osterei

Der Hase ist ein ganz leichter Pin aus MDF (mitteldichte Faserpatte, ein Holz-Verbundwerkstoff) mit Laser in Form geschnitten und graviert. Auf der Rückseite ist ein Sicherheitverschluß.

Die Aktion endet am Ostermontag, den 06. April 2015 um 00:00.

 

New Design: Der Koffer

Ein dreifaches Hoch dem Handwerk! Der Koffer des Holzgestalters Sven Ahlhelm ist ein perfektes Beispiel für qualitative Handarbeit. Ich habe das Möbelstück voriges Jahr auf der Designers Open in Leipzig entdeckt. Für gewöhnlich fertigt Ahlhelm Skulpturen für private, öffentliche und sakrale Räume. 2014 schloß er zudem seine Ausbildung als Gestalter im Handwerk ab, das Koffer-Möbel ist seine Abschlußarbeit.

Koffer_geschlossen

Koffer_drei_Varianten

Geschlossen sieht das Möbel wie ein nostalgischer Überseekoffer aus. Es hat abgerundete Ecken, Beschläge, Ledergriffe sowie aufgedruckte Zitate, die das Fernweh thematisieren. Es gibt drei Varianten des Koffers, den man mit einigen fixen Handgriffen zu einer multifunktionalen Garderobe mit Ablageflächen, zu einem Regal mit ausklappbaren Fächern sowie zu einer Truhe mit großzügiger Schublade umfunktionieren kann. Der Koffer ist transportabel, überraschend und formschön. Gefertigt ist er aus Birkenholz, Birke-Multiplex und Leder, die Oberfläche ist mit Hartwachs-Öl behandelt.

Der_Koffer-mobiles_Moebelstueck

Nähere Informationen zu Der Koffer – mobiles Möbelstück gibt es bei Sven Ahlhelm per Email.

poimia kukkia @ HandmaDDe-Markt in Dresden

Ich mache einen Ausflug ins schöne Dresden. Am Sonntag, den 22.02.2015 ist poimia kukkia mit einem Stand auf dem HandmaDDe Markt in Sachsens Perle vertreten.

handmadde

Der HandmaDDe Markt versteht sich als vielseitiger Umschlagplatz für Ausgefallenes und Einzigartiges rund um handgemachte Mode, Accessoires, Dekorationen, Papeterie, Möbel und Kunst. Im einzigartigen Ambiente des Alten Schlachthofes haben Künstler, Designer und kreative Köpfe die Chance ihre Lieblingsstücke zu präsentieren und abseits vom Massenkonsum in liebevolle Hände zu verkaufen.

Termin: 22. Februar 2015, 10:00-18:00 Uhr
Alter Schlachthof Dresden
http://handmademarkt.de

Was macht die Kunst?! Willy Verginer

Willy Verginer ist Bildhauer aus Südtirol. Sein Material ist Holz. Vom lokalen traditionellen Stil seiner klassischen Ausbildung in St. Ulrich löste er sich rasch. Seine Skulpturen strahlen etwas Erhabenes aus während sie gleichzeitig zart und fragil scheinen. Er überzieht seine Figuren teilweise mit kräftigen Farben, was eine interessante Komponente darstellt und die Werke näher an ein Gemälde als an eine Skulptur rückt.

WillyV_Fioriranno_i_nevai_detail_@www.ignant.de

Willy_Verginer_A_fior_di_pelle_@emptykingdom.com

Willy_Verginer_Adesso_è_più_normale,_adesso_è_meglio,_adesso_è_giusto_@emptykingdom.com

Willy_Verginer_Il_vento_di_sera_la_invita_@beautifulbizarre.net

Willy Verginers oft allein stehende Figuren sind realistisch, sie schauen mich an, sind in Lebensgröße geschnitzt. Ihre feinen, aber oft seltsamen Gebärden verbunden mit unerwarteten Objekten geben den Skulpturen eine leise surreale Atmosphäre. Sie blicken wissend, als würden Sie mich beobachten, nicht umgekehrt. Die Figuren werden aus einem massiven Stück Lindenholz gefertigt, mit Acrylfarbe bemalt bzw. mit zusätzlichen Materialien bestückt. Anstatt realistisch jedes einzelne Detail zu bemalen, überzieht Verginer seine Skulpturen mit großen Schwaden von Farbe. Die Stücke scheinen direkt ins Farbbad eingetaucht worden zu sein. Diese großen Farbfelder stehen im Kontrast zum Realismus der einzelnen Skulptur.

Willy_Verginer_Pensieri_arrugginiti_nelle_dita_@deepjazz.blog51.fc2.com

Willy_V_Autumntime_@www.laboiteverte.fr

Willy_Verginer_Cecitá_voluta_@plus.google.com

Jede Skulptur von Willy Verginer bietet eine phantasievollen Blick auf den Menschen und seine Beziehung zu sich selbst und zur Natur. Manchmal zeigt er sogar beide als eine Figur. Er überzieht Frauenkörper mit Blumenmustern, einem Jungen sprießen Blumen aus seinen Fingerspitzen, ein kleines Kind balanciert auf dem hinteren Ende eines Esels. Viele Stücke in Verginers Portfolio zeigen die Tierwelt als eine Verlängerung, ähnlich wie Gliedmaßen, die aus verschiedenen Teilen des menschlichen Körpers herausragen. Sie alle sind optisch mit Farbe verbunden.

WillyV_@www.ignant.de Willy_Verginer_@www.thejealouscurator.com

Und auch bei Willy Verginer fällt der Apfel nicht weit vom Stamm. Seine beiden Söhne Matthias und Christian sind in Vaters Fußstapfen getreten. Beide sind Bildhauer, beide arbeiten in Holz, und beider bisheriges Œuvre ähnelt dem des Vaters stark. Bei Matthias Verginer zeigt sich das besonders bei seinen Büsten. Auch er bindet surrealistische Elemente ein und “verziert” seine realistischen Figuren mit verschiedenen Materialien. Christian Verginer orientiert sich bei seinen Arbeiten sehr an der detaillierten realistischen Darstellung seiner Figuren. Phantasievoll bindet auch er Objekte als Verlängerung an seine Personen. Er setzt seine Skulpturen in Bezug zueinander und kombiniert sie mit Holzschnitten und Farbe. Allgegenwärtiges Thema ist auch bei ihm die Natur.

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Christian_Verginer_too-far-too-close-detail-2014 

Christian_Verginer_the-uripe-strawberry

Matthias_Verginer_fall-on-deaf-ears

Matthias_Verginer_lifting_4_watermelons

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New Design: Hangzhou Stool

Mit seiner Querstrebung erinnerte mich der Hangzhou Stool gleich an den Ulmer Hocker. Doch während die Blaupause für Funktionalismus oben gerade abschließt, lotet das Modell aus China die Verarbeitungsmöglichkeiten des Materials Holz maximal aus.
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Der Hangzhou Stool besteht aus vielen Schichten Bambusfurnier mit einer Dicke von je 0,9 mm. Jedes Furnier ist wiederum aus mehreren ultradünnen Bambusschichten hergestellt, die entsprechend ihrer natürlichen Richtung der Bambusfasern senkrecht zueinander ausgerichtet sind. Auf diese Weise wird jedes Furnier nicht nur sehr flexibel, sondern auch robust in alle Richtungen.
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Jedes Bambusfurnier ist unterschiedlich lang. Die Furniere sind in einer Bogenform gebogen und an den jeweils letzten 25 cm vor jedem Ende miteinander verklebt. Es gibt ein Stück rohen Bambus querliegend, der in die Furniere dringt und damit die beiden Enden des Hockers verbindet.
Die Schichten aus Bambusfurnier ergeben einen Bogen, der an Wellen auf der Wasseroberfläche erinnert. Setzt man sich, wird der Bogen umso tiefer gebogen je mehr Gewicht auf dem Stuhl lagert. Der Benutzer fühlt beim Sitzen die Elastizität des Hockers. Ich würde das gerne mal ausprobieren.

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Seinen Namen hat der Hangzhou Stool nach dem Geburtsort seines Schöpfers. Der Industriedesigner Min Chen, auch bekannt als  Miles Chen, wurde in eine künstlerische Familie in Hangzhou, China, geboren. Früh schon wurde er durch die Arbeit seines Künstler-Großvaters, der ihn Kalligraphie und traditionelle chinesische Malerei lehrte, beeinflußt. 2001 ging er nach Deutschland und studierte an der Kölner International School of Design/KISD, um danach seinen Bachelor of Design an der Design Academy Eindhoven zu absolvieren. Später schloß er noch seinen Master an der Domus Academy in Milano ab. Seit 2010 lebt Min Chen wieder in China betreibt das Atelier Chen Min in Guangdong.

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Min Chen betrachtet Design als Sprache, die ihren Ursprung, Tiefe und Geschichte hat. Sie bleibt offen, und entwickelt sich im Laufe der Zeit. Sie drückt das Leben in allen Bereichen aus und wird die Essenz davon. Min Chen hat das Ziel, die chinesische Sprache in der Welt des Designs zu finden.

Was macht die Kunst?! Adam Dix

Ich habe vergessen, wo ich Adam Dix entdeckt habe. Er fiel mir aber sofort auf und blieb hängen. Ich mochte die Pastellfarben sofort und war angetan vom Mix aus Science Fiction der 40er Jahre, Kalter Krieg-Technologie, Folklore und Schamanismus. In Dix Werk verschmelzen all diese Themen zu verstörend zeitgemäßen Bildern.

Adam_Dix-Do-You-Receive-Me-_2011

Auf den ersten Blick erscheinen Dix Bilder wie nostalgische Vintage-Fotos. Bei näherem Betrachten, entdeckt man einen unheimlichen Unterton, eine mysteriöse Geschichte. Die pastelligen Töne, in die er seine seltsamen Gemeinschaften taucht, verstärken diesen Effekt.

Adam_Dix_Receive-thy-Message_2012@contemporaryartsociety.org

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Adam_Dix@vorpacollection.com_01

adam-dix-rotation@fadwebsite.com

Adam-Dix-The-Sermon-2013@wsimag.com

Adam Dix Arbeit beschäftigt sich immer mit Städten, Stadtkultur und Telekommunikation. Hinzu kommt ein anhaltendes Interesse an Science Fiction, und alten B-Movies aus den 1950er Jahren. Dix verstand, daß die Art wie wir heute leben, viel mit der Psyche und den Fortschritten der damaligen Zeit  zu tun hat. Ohne die technologische Durchbrüche, die während des Kalten Krieges gemacht wurden, hätten wir wahrscheinlich nicht die Satellitenschüsseln, Mobiltelefone und Laptops, die wir heute für selbstverständlich halten. “Ich habe lange Zeit unsere Beziehungen zu Kommunikation und Konnektivität untersucht, und begann mich zu fragen, was passiert, wenn die menschliche Rasse plötzlich gezwungen wäre, alles Wissen über Telekommunikation und Technologie zu vernichten – und danach würde man die Dinge wieder einführen. Ich war mir ziemlich sicher, dass die ganzen Sachen befremdlich und unlogisch erscheinen würden.” Mit Blick auf die Formen der modernen Telekommunikation bindet Dix Absurdes, eine Art zeitgenössischer Folklore in seine Arbeit. Wir alle haben schon Menschen gesehen, die ihre Handys gen Himmel strecken, wenn sie kein Signal bekommen – ein fast spiritueller Akt.
“Für mich persönlich ist die Figur ein Ausgangspunkt. Ich bin nicht an der Abbildung der Figur im klassischen Sinne der figurativen Malerei interessiert, sie dient als ein Requisit neben meinen anderen Ideen. Die Figur ist natürlich standardmäßig im Rahmen meiner Arbeit vorhanden… in ihrer Beziehung auf den Gegenstand.”

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Des Malers Bilder spiegeln eine jahrelange Sammelwut alter Drucksachen aus den 1950er Jahren wider: Science Fiction-Bücher, Vintage-Zeitschriften, alte National Geographic-Ausgaben und Comics. Bei diesen Heften gab es immer diese kleinen Unvollkommenheiten im Druck, eine Besonderheit in der Oberfläche. Um diesen Effekt zu  erreichen, macht Adam Dix ausgiebige Farbfeld-Tests. Desweiteren sind Einflüsse von Luc Tuymans und die ebenso gedämpfte Farbpalette mancher Maler der sog. Leipziger Schule auszumachen. (Das sind zwei Treffer in meiner Gefällt-mir-Liste!)

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Adam_Dix-Totemic_2012

AdamDix-TheAdvocates-2010@postedprojects.co.uk

Adam_Dix@vorpacollection.com_02

Adam Dix wurde 1967 in London geboren, wo er auch heute noch mit Frau und zwei Kindern lebt und arbeitet. 1990 schloß er sein Studium in Grafik und Illustration am Middlesex Polytechnikum ab. 2009 absolvierte er seinen Master in Fine Art am Wimbledon College of Art.

Adam_Dix-Work-in-progress-–-part-of-the-triptych-Silent-Servitude